Kaliforniens Patricia A. Hannaway betonar att de bästa ritningarna av levande saker hedrar actionlinjen och gesten, vilket föreslår deras rörelser i det senaste förflutna, nuet och framtiden. Detta dynamiska, filmiska tillvägagångssätt är meningsfullt för någon som har gjort sitt namn till en framgångsrik animatör.
Gilla det du läste? Prenumerera på Ritning idag!
av Bob Bahr
Attityd 2006, pastell på tonat papper, 21 x 12. Alla konstverk den här artikeln samla konstnären. |
När Patricia A. Hannaway ser några av de mer dynamiska målningarna av Tintoretto, ser hon en animatörs verk. "Du skulle svär att en Tintoretto-målning flyttades när du inte tittade direkt på den, " utropar hon.”Siffrorna är i övergång från en rörelse till en annan; de spricker av energi! Jag dras till den energin.”
Hannaway är partisk på ett sätt - hon är mest känd för sitt arbete inom animationsområdet. Den Kalifornien-baserade konstnären var den animerade animatören för karaktären Gollum i The Lord of the Rings: The Two Towers, och hon arbetade också på animerade filmerna Shrek och Antz. Hon klippte tänderna i animationsavdelningen på Walt Disney Feature Animation, där hon arbetade på Mulan. Hennes konstverk har också fått henne erkännande; hon representeras av Kathleen Avery Fine Art i Palo Alto, Kalifornien. Men när Hannaway ser några av de akademiska ritningarna som skapas av samtida realistkonstnärer, är hon bestört. "Att fylla i den yttre konturen, kallad ett" kuvert ", är inte det sätt som många av de gamla mästarna drog alls, " hävdar hon.”Kuvertet stivnar ritningen - det är därför många akademiska ritningar kan vara stela och stilla. De är bara modeller på stativ. De andas inte eller rör sig. Men livet är i ständig rörelse.”
Börja med Action Line Hannaway tror starkt att det bästa sättet att starta en ritning är genom att först lägga ner handlinjen - en linje som visar formen, kraften och riktningen för figurens rörelse. "Handlingslinjen är inte den yttre konturen", säger hon.”Du måste göra ett konceptuellt språng och överväga vad handlingen är.” Rita rörelsens form, inte saken, säger konstnären. Hon förespråkar att hålla din penna eller penna på ytan medan du skissar och ritar från axeln, inte din hand. Att lyfta fram papperet bryter ditt tankesätt och får dig att förlora din plats, och Hannaway säger att allt behöver gå ner på sidan i ett flöde. "När du väl har blivit bättre på att avbilda actionlinjen kommer du att upptäcka att den fungerar som en slags hängare, och alla detaljer bara hänger av den, " förklarar hon.”Perspektivet kommer att ligga i det, allting. Det är fantastiskt."
För den här artikeln drog konstnären handlinjen i tre etapper av en basebollkupa som kastade en boll. I skissen längst till vänster, lutar kannan upp för att kasta, och Hannaway började vid högerfotens kanna, där hon kände att handlingen började och drog handlinjen upp genom benet, genom ryggen och in i spiralen ärm. "Energin kommer upp från fötterna och spänningen spolas upp i den sårarmen, " hävdar hon. De nästa två skisserna visar handlingslinjer som indikerar kraften som lämnar kroppen genom kasthanden. Gesten är överdriven, men Hannaway skulle töja den senare när hon utvecklade ritningen. Skissen till höger illustrerar hur actionlinjer inte bara visar riktning utan också kraft. Lägg märke till hur en linje som böjer sig uppåt längs figurens rygg antyder en relativt liten kraft, medan ryggen som böjer sig utåt innebär ett starkt tryck. "Genom att börja med actionlinjen och stanna i den sinnesramen stannar du i sökningsläget, " säger Hannaway.”Om du är fokuserad på kontur kommer du att upptäcka att du funderar på behovet av att få en eller annan del att se ut på ett visst sätt - du kommer att hitta dig själv relatera till bitarna istället för att relatera till idén. Idén är handlingen, och det är detta som måste kommuniceras.” |
Manlig figurstudie 2007, pastell på tonat papper, 18 x 11. |
Konstnärens skolgång var förankrad i det traditionella. Hon tog sin konsthistoria på Smith College i Northampton, Massachusetts, och fick en MFA från New York Academy of Art. Men en andra MFA, denna i datoranimering, tjänade på School of Visual Arts, i New York City, pekade på hennes nuvarande karriär, och när Hannaway gick till jobbet för Disney, kände hon att hon korsade någon form av linje till kommersiell illustration. Hannaway känner nu att rörelsen var tvärtom. "Jag kan göra vad som helst, jag kan få allt att se ut som ett fotografi, men jag fann att det var en återvändsgränd, " säger hon.”Jag har varit förvånad över att hitta en känsla av koppling till de gamla mästarna genom animering.” Hon började märka den framträdande actionlinjen i ritningar av Michelangelo och Rubens. Hon såg hur Kollwitz och Degas byggde sina teckningar på figurens större gest. Hon noterade de svängande hammarna, uppfödningen av hästar och den kraftiga brottningen som avbildades i Leonardos anteckningsböcker och de flyktiga stunder som fångats i verket av Velázquez. Och hon undrade över dynamiken i Tiepolos ämnen. "Hans figurer vrider och vänder och är mycket överdrivna, men på något sätt fungerar de fortfarande i hans målningar, " säger Hannaway.”Du kommer förmodligen aldrig se någon vrida eller vrida så mycket som några av hans figurer - om du försökte det skulle du förmodligen bryta ryggen. Men vem bryr sig?"
Studie för tempest 2006, kol och krita på tonat papper, 24 x 18 |
Poängen är inte överdriven. Det är hur actionlinjen, gesten, används för att främja den större kompositionsidén. "Ibland snedvrider jag kroppens former för att accentuera handlingslinjen, " säger hon.”Vad som helst som får ritningen att fungera och läsa ordentligt på papper, det är vad jag försöker uppnå. Jag kopierar inte det jag ser; Jag pressar posisen och använder modellen som referens.”Hannaway betonar att en konstnär alltid kan tona ner den om actionlinjen är för extrem. "Men gå alltid till det yttersta, dra sedan tillbaka det, " råder hon.”Det är väldigt svårt att göra en dödad ställning mer dynamisk. Jag gör actionlinjen mer extrem än den är i verkligheten så att när jag ger mig ovanpå det finns det lite rörelse kvar.”
Siffror som är engagerade i dramatiska rörelser är inte de enda med en handlingslinje. Varje kropp som har vikt har en handlingslinje. I en stående figur beskriver handlingslinjen hur vikten hanteras av kroppen: vilket ben som bär mest om det, vilken höft som är canted, vilken axel svarar med något doppning, hur ryggraden böjer sig - även hur huvudet hålls vid halsen. "På stående ställning är handlingens kraft vikten som går ner i golvet, " säger Hannaway. Att bestämma var vikten, kompressionen eller förlängningen är i en position ger riktning till en sådan ritning och bestämmer intressecentrumet.
Strejk! 2005, kol på krämpapper, 24 x 18. |
Konstnären har några enkla råd för författare som vill lära sig hur man snabbt och exakt sätter ner handlingslinjen: Gå till djurparken och rita apor. De kommer att tvinga dig att helt enkelt fånga hur de rör sig - de kommer inte att stå stilla nog för noggrann återgivning. "Du kan inte fånga konturerna", säger konstnären.”Men du kan fånga handlingslinjen och därmed kärnan i apan. Se viktöverföringen, de typiska åtgärderna, hur den sitter. Lär dig djurets karaktär. Se hur det hänger och svänger, hur spänningen fungerar i kroppen. Du kan inte oroa dig för flugan i örat eller andra detaljer.”Hannaway betonar handlingslinjen så att hon är villig att offra anatomisk korrekthet, och hon citerar Goya som ett övertygande exempel på detta koncept, särskilt de mycket effektiva ritningarna av hans The Disasters of War-serie. "Ingen bryr sig om att anatomin på en arm eller axel kanske inte är rätt i en av dem, " förklarar konstnären.”Det sätt som armen dras tjänar den kraftfulla idén bakom ritningens design.” Det kan kännas svårt att ignorera teknik i de flesta fall, men Hannaway tjänar en annan mästare. Hon är i obeveklig strävan efter "idén", och den idén uttrycks mer i handlingslinjerna för figurer i hennes stycken än i deras ytinformation. Hennes konst handlar om saker och ting som händer eller håller på att hända. Hon jämför det med filmskapande - förutom att en målare är begränsad till bara en ram. Denna konstnär värderar kinestetiken över det bara exakta.
Bort 2006, pastell och krita på tonat papper, 20 x 10. |
Seger! 2007, kol på krämpapper, 24 x 18. |
I själva verket är kärnan i Hannaways strategi inkapslad i ett motto som hennes mentor, Jim Smyth, framförde: "Rita hur modellen gör, inte hur den ser ut." Hon förklarar att detta tankesätt främjar en dialog mellan konstnären och modellen, som gör det möjligt för konstnären att fånga de större relationerna och "känna" posisen i sin egen kropp när hon drar. "Min tankeprocess när jag ritar är: Modellen är på sikt att göra det här, och slags att göra det - jag blir engagerad i vad modellen gör och mentalt tar ställningen själv och känner rörelsen i min egen kropp. Detta överförs till sidan via en aktiverad linje; ritningen kommer från en inre känsla utåt. Däremot, när fokus ligger på hur modellen ser ut, stängs denna dialog av. Plötsligt handlar ritningen om ytdetaljer och skissar en yttre kontur. Det fortsätter till att "fylla i" en kontur istället för att "känna" de större relationerna och vikten. Ingenting dödar en ritning snabbare än den tanken processen! Jag gör bara det som förbättrar gesten.”Hannaway nämner påpekat att ordet animeras kommer från den latinska animatusen -” att ge liv till.”
Om det är en svår uppgift att hitta den känsliga balansen mellan en stark actionlinje och en otillbörligt överdriven en, är Hannaways motvilja mot tätt återgivna ritningar en ännu svårare: Att veta hur mycket detaljer som räcker - att veta när man ska stoppa. "Animeringsteckning - och enligt min mening bra konstkonst i allmänhet - föredrar bara att fånga det som är väsentligt för en karaktär eller form i motsats till att göra en forms ytkvaliteter, " förklarar konstnären.”En bra teckning fungerar från insidan och ut, från det allmänna till det specifika.” Hon sammanfattade det genom att helt enkelt säga att mer detaljer inte leder till större sanning eller noggrannhet.”Den intellektuella bedömningen av vad man ska betona är den stora glädjen att göra en engagerande och animerad ritning,” förklarar Hannaway.”En ritning som betonar rörelse är mer sanningsenlig än ett fotografi som fryser en figur på ett ögonblick. Stora artister strävar efter att fånga essensen i modellen, och det är vad animatörer går för.”
Dansarna 2006, kol på krämpapper, 18 x 24 |
De tre nådarna 2006, kol och krita på tonat papper, 26 x 21. |
Hon påminner om hur Disney arrangerade en gigantisk ödla att besöka sina kontor när animatörerna behövde studera djurets rörelse för att skapa en karaktär, och hur konstnärerna skulle tillbringa en dag med att rita en levande falk för att förbereda en viss scen med den fågeln i den. "Ritning är som att andas vid Disney, " säger Hannaway.”Människorna där tänker inte ens på det, det är så naturligt och de är så bra på det. Så istället för att rita det du ser, ritar du för att förstå något.”Det är inte så att ritning inte är viktig; Hannaway drar fortfarande från livet minst 10 timmar i veckan, och hennes idé om en bra dag skissar kunderna på ett kafé i timmar. Men ritningen handlar inte om att visa eller motivera en teknik eller skapa en fotografisk bild. Det är att bygga upp en bank med mentala bilder; att observera och lära sig om hennes miljö, fysik och mänsklighet; och att internalisera de viktigaste inslagen i poser och former så att hon kan få dem att tjäna hennes syften. "Design i en komposition är alltid prioritet - jag kommer att offra allt för designen", säger konstnären.”Sedan, utifrån designen, drar jag fram saker jag vill betona. Det är urval, och det har väldigt lite att göra med att måla det jag ser. Designen bestäms av idén, och idén är vad jag vill förmedla.”
Ömhet 2007, pastell på tonat papper, 21 x 13. |
Nyligen har det inneburit storskaliga tematiska figurativa målningar. Hannaway genomför många kol- och gouachestudier för att förbereda en målning, sedan målar hon små oljestudier för att beräkna belysningen för verket och för att klargöra kompositionen. Aktuella händelser och samtida mänskligt beteende utgör ämnet. "Jag tycker att det är viktigt för konstnärer att vara samvets i sina tider, " säger hon.”Det är bra att lära sig om material och färdigheter från tidigare århundraden, men konst borde vara av vår värld. Jag söker mening i det mänskliga tillståndet.”