Under nästan 30 år med intervjuer av landskapskonstnärer för amerikansk konstnär har M. Stephen Doherty sett hundratals målare använda olika material och tekniker. Här tar han det bästa av den samlade kunskapen och destillerar den i sju användbara tips för plein luftmålare.
av M. Stephen Doherty
Misty Morning, Trinchera av M. Stephen Doherty, 2006, olja, 11 x 14. Samla konstnären. |
Jag frågar ofta abonnenterna vilka artiklar de kommer ihåg att ha läst och tyckt om eftersom deras svar hjälper mig att använda funktioner som ger samma positiva reaktion. Första gången jag ställde den frågan, 1979, minns minst ett dussin personer en artikel i juli 1972-utgåvan av Susan E. Meyer, redaktören för tidningen, där hon beskrev hur de 11 medlemmarna i Fairfield Watercolor Group målade deras individuella vyer över en Connecticut-gård en oktoberdag. De tydliga minnen från den informativa artikeln fick mig att intressera mig för pleinluftsmålare och organisera grupper av konstnärer som skulle hitta sina egna sätt att svara på ett gemensamt landskapsämne.
Under de kommande 29 åren följde jag konstnärer uppför bergsspår, längs klippiga kustlinjer, på tak, bredvid historiska byggnader, inuti frodiga trädgårdar och längs snötäckta stigar med min kamera och anteckningsblock. Jag försökte ta reda på vad som lockade dem till platserna, hur de valde och förberedde sina målningsmaterial, varför de utvecklade sina bilder på ett visst sätt och vilka råd de skulle ge andra intresserade av samma strävan. Vissa presenterade konstnärer målade i akvarell, andra i akryl, några i kasein och pastell, många i olja och en hel del fotografier medan de skissade och målade. Jag lärde mig något värdefullt från var och en av dessa konstnärer, och min avsikt är att dela vad jag har lärt mig samtidigt som jag försäkrade läsarna att processen att bli en kompetent målare är lika svår och långsam som den är trevlig och givande. Även efter nästan 30 år med studier med de bästa konstnärerna har jag fortfarande mycket att lära mig om processen att skapa konstverk utifrån vad mina ögon observerar, mitt sinne tolkar och mina händer kör. Även om rekommendationerna som jag erbjuder här kan verka väl betraktade och lite djupa, representerar de min ständiga kamp för att förbättra kvaliteten på mina målningar.
Solnedgång över Hudson Valley av Frederic Edwin Church, 1870, grafit och olja på tunn, krämfärgad kartong, 11 1/8 x 15¼. Samling National Museum of Design, New York, New York. |
De konstnärer som antagligen hade störst inflytande på min inställning till oljemålning är samtida konstnärer Thomas S. Buechner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl och Jack Beal; liksom de stora 1800-talsmålarna Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) och Frederic Edwin Church (1826–1900). Buechner visade mig hur man passar in plein air-målning i ett upptaget arbetsschema, Aspevig hjälpte mig att identifiera värdefulla ämnen på oväntade platser, McGurl demonstrerade hur jag skulle hantera måla för att skapa illusionen av detaljer, och Beal öppnade mina ögon för dynamiska kompositioner. Och när jag har haft möjlighet att vara näsduk med en Corot eller en kyrkamålning, har jag blivit ödmjuk av konstnärens förmåga att skapa känslan av att jag står med honom i ett landskap och delar de upplevelser som skapats av ljuset och atmosfären.
Jag har alltid varit motvillig mot att återge mina egna konstverk i American Artist eftersom jag inte ville blanda ihop tidningen med min personliga agenda. Även om jag kan forma innehållet i publikationen försöker jag hålla mitt fokus på läsarnas bästa. Men människor har uppmanat mig att diskutera mina konstverk som ett sätt att anpassa tidningen och låta läsarna veta att jag delar deras passion. Jag har kommit överens om den inställningen.
Höst i Kent Baptist Church av M. Stephen Doherty, 2006, olja, 11 x 14. Samla konstnären. |
Jag borde också erkänna att jag, liksom många av er, hoppas att mina konstverk kommer att leva bortom mig som en post av en person som såg saker kreativt och kanske gripande i en stund i tid. Till exempel finns det alla möjliga skäl till att jag målade hösten i Kent Baptist Church, vissa har att göra med höstscenens skönhet och några som rör kyrkobyggnaden, kyrkogården och fallande löv som symboler för liv, död och förnyelse. Vad du inte kan veta från att titta på målningen är att jag var i en mindre bilolycka på denna plats 2006. Jag åkte tillbaka sju månader senare för att stå på den exakta platsen där min bil träffade en islapp och flög in i skog längs kyrkans uppfart. Jag gick bort oskadd men medveten om hur mycket livet kan förändras på en sekund.
Varför belastar jag dig med dessa detaljer? Eftersom jag vill betona att medan jag skriver om de bästa procedurerna för att måla bilder, så går jag med dig i en sökning efter ett visuellt språk som hjälper till att uttrycka insikter tydligare. Jag har haft turen att spendera tid med artister som är lysande att göra just det, och jag hoppas att jag kan dela med sig av vad de generöst har gett mig.
Här är några av de specifika råd jag har fått som hjälper mig när jag målar:
Tänk dig var, när och hur du kommer att måla
Aspen Road av William Hook, 2004, akryl, 24 x 36. William Hook målade detta landskap under en klass som presenterades i premiärutgåvan av Workshop. |
John Singer Sargent kan ha kunnat börja måla var som helst eller under vilken som helst timme på dagen, men resten av oss måste välja en målningsplats baserad på tid på dagen, årets säsong och förhållanden som råder. En plats kan vara inspirerande på morgonen och tråkig på eftermiddagen, eller platsen kan kräva mer tid att måla än det som finns tillgängligt. Det är därför viktigt att ta hänsyn till vilka målningsförhållanden som troligen kommer att vara på de olika platserna du överväger. De flesta yrkesverksamma noterar de platser de passerar och försöker komma ihåg den bästa utsiktspunkten och den optimala tiden för återvändande.
Thomas S. Buechner, som är en av de mest citerbara konstnärerna som jag har träffat, sa: "Ju äldre jag blir, desto mer attraktivt blir ämnet som är närmast badrummet." Han skämtade naturligtvis, men han försöker undvika att spendera för mycket tid på att söka efter den "perfekta" målningsplatsen eftersom det alltid finns olika alternativ tillgängliga, vissa bekvämare än andra. Matthew Daub och William Hook hade mycket samma råd när de varnade mot förväntningarna om att landskapet skulle bli grönare eller mer pittoreska på andra sidan kullen. Clyde Aspevig, en man med intensiv personlig motivation, väljer platser där han kan skapa flera bra målningar utan att behöva packa upp och flytta sin utrustning.
ÖVERVIK LJUSETS Riktning vid din valda plats
Forest of Fontainebleau av Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, olja. Collection National Gallery of Art, Washington, DC. |
Det tar flera timmar att färdigställa de flesta målningar av Plein Air, så det hjälper till att överväga vad som kommer att hända med ljusets vinkel och intensitet när du målar på en viss plats. Kommer solljuset att korsa målningsytan och skapa oönskad bländning? Kommer molnen att rensa bort och skapa en skarp kontrast i mönstret av solljus och skugga? Kommer skillnaden mellan varma och svala färger att bli mer uttalad när solen börjar gå ner?
Naturligtvis behöver konstnärer inte vara slavar till väderförhållandena. När en bra målning är igång kan upplevelser vägleda dem till dess framgångsrika slutförande. "Ljuga, fuska och stjäla, " säger Jack Beal med ett skratt. Med det menar han att konstnärer inte är skyldiga att måla exakt vad de observerar. I själva verket handlar komposition om att abstrahera den tredimensionella världen på en tvådimensionell yta. "Om Corot och Albert Bierstadt kan hjälpa dig, låt dem för all del, " råder Beal.
VERBALISERA VAD DU VILL TILLFÖRARE ATT VETA
Många erfarna lärare ber eleverna skriva ner vad de vill förmedla till tittarna och tejpa det papperet till deras staffli. Poängen är att förbli fokuserad på den viktigaste aspekten av din bild. När du tar en paus, läs meddelandet igen och utvärdera om du når ditt centrala mål.”Jag rekommenderar vanligtvis att eleverna skriver dessa meddelanden på ett 3" -x-5 "-kort så det är kort, enkelt och specifikt, " säger Sondra Freckelton.”När jag kommer in för att granska elevernas framsteg, frågar jag om de utvecklar sina målningar på ett sätt som kommer att förmedla budskapet på kortet. Om de inte är det, pratar vi om delar av konstverket som kan förvirra meddelandet. Jag föredrar att prata om material och tekniker i samband med det fokuserade målet.”
PLANERA SAMMANSÄTTNINGEN, VÄRDERINGAR, FODRAR, FORMER OCH FÄRGER
Paramount View of Mt. blanca av M. Stephen Doherty, 2006, olja, 11 x 14. Samla konstnären. |
Det finns många viktiga aspekter av målning, men de som oftast diskuteras i tidningsartiklar, konstklasser och målningsverkstäder är de som påverkar sammansättningen av abstrakta element. Instruktörer talar om relativt värde och färgtemperatur eftersom de skiljer ett träd från ett annat, förgrunden från bakgrunden och solljuset från skuggområdena. De ber också eleverna överväga hur vägbeskrivningar, väggar, staket, floder och stigar riktar tittarnas uppmärksamhet till och runt en bild; och de påpekar hur upprepning av färger och mönster kan skapa en känsla av enhet och harmoni i en bild.
Jack Beal berättar om komposition närhelst han har möjlighet att adressera studenter, och jag önskar att hans idéer spriddes och förstås mer mycket eftersom de kan hjälpa konstnärer att skapa mer spännande och engagerande målningar. Han går utöver det uppenbara rådet om att hålla fokus på en målning borta från mitten och schemera det riktade flödet av former och linjer. Han visar eleverna hur man kan använda positivt och negativt utrymme mer effektivt, hur man balanserar former som rör tittarna in i en bild och tar ut dem igen, och han uppmuntrar konstnärer att böja, vrida och smala former så att kompositionen blir mer effektiv. Till exempel pekar han på renässans- och barockkonstnärer som etablerade underliggande triangulära, cirkulära eller trapesformade former och ordnade figurerna, föremålen och naturliga formerna i sina målningar för att lösa passa in i de geometriska formerna. Till exempel tänkte jag på Beals råd när jag komponerade min målning Autumn på Kent Baptist Church och använde en serie triangulära former för att rikta tittarna och lämna dem en känsla av oro över en annars trevlig scen.
SKULPT MED MALNING
Pietra Santa Vineyard av Randall Sexton, 2006, olja, 11 x 14. Samla konstnären. Ovan är en demonstration som Sexton avslutade i en workshop med hösten 2006-utgåvan av Workshop. |
Randall Sexton lärde mig att vara mer uppmärksam på mängden färg jag applicerar på en målning, och Matt Smith visade mig fördelarna med att”skulpturera” den riktade rörelsen av oljefärg med en pensel. Båda konstnärerna gav samma råd som de flesta instruktörer gav: arbeta från tunna till tjocka applikationer av färg, lämna skuggorna tunna och höjdpunkterna tjocka och flytta borsten som om den följde topografin i landskapet.
Poängen med allt detta råd är att inse att tätheten, strukturen och genomskinligheten hos olja påverkar uppfattningen av föremål eller platser som vi skildrar i våra målningar. Denna punkt blev aldrig tydligare för mig än när jag såg en utställning av Jacob Collins fantastiska figurmålningar i Hirschl & Adler Galleries, i New York, i oktober 2006. De varma, rödbruna skuggorna på liggande kroppar naken var så tunn att jag kunde se grafitlinjerna som konstnären hade ritat för att identifiera kanterna på dessa former, och de mörka bakgrundsfärgerna bakom figurerna blev tunnare och varmare när de kom upp till kanten av de tjocka höjdpunkterna på köttet. Dessa subtila manipulationer av oljefärgernas volym och temperatur skapade ett glödande ljus på bilderna.
Garden Squeteague Harbor av Joseph McGurl, olja, 9 x 12. Privat samling. Joseph McGurl håller bara två landskapsworkshops om året, och en av dessa klasser presenterades på våren 2007-nummer av Workshop. |
Samma dag som jag tittade på Collins-utställningen stannade jag vid en utställning av Joseph McGurls landskap i Hammer Galleries, också i New York, och jag var fascinerad av att se hur han byggde upp strukturen i färgen som beskrev förgrunden till hans New England scener. I vissa fall använde han en grovvävd duk som antingen kunde göras slät med tjocka applikationer av oljefärg eller lämnas i grovt tillstånd. I andra situationer strukturerade han den underliggande akrylgesso på panelerna så att även en tunn applicering av oljefärg skulle läsa som en borstig konsistens. Och en del av färgen som användes för att etablera förgrunderna släpptes antingen med en palettkniv, blandad med sand eller pimpsten, eller skrotades precis innan den var helt torr så penseldragarna var mindre uppenbara.
GÖR DET DÄR LILLA EXTRA
Någon berättade en gång för mig att det är bättre att arbeta smart än hårt, vilket innebär att användningen av hjärnan oftast är mer effektiv och effektiv än att använda musklerna. Men jag har ofta lagt märke till att det som gör en målning exceptionell och en annan ganska genomsnittlig är den tid och ansträngning som konstnären har ägnat åt bilden. Det vill säga, målningar kan bli dramatiskt bättre när eleverna är villiga att börja om om deras underliggande ritning visar sig vara felaktig; att spendera extra tid på att blanda rätt värde snarare än att plocka upp vad som händer på deras palett; eller lägga till en större mängd detaljer i en bild, särskilt nära kontaktpunkten. Ibland är effektivitet inte en beundransvärd kvalitet, och otålighet är en snubbla. Jag vet att jag har en vana att vara väldigt otålig, men jag påminner mig om att det inte är någon mening att stapla ytterligare en medioker målning på högen som sitter i källaren. Om jag inte är villig att ta den tid som krävs för att göra en exceptionell bild, är det ingen mening att starta en ny.
Traktorer och lastbilar, Trinchera av M. Stephen Doherty, 2006, olja, 11 x 14. Samla konstnären. |