Denna artikel om stillebenkonstnären Harriet Shorr, skriven av Rick Stull, dök ursprungligen ut i januari / februari 2011-numret av The Artist's Magazine.
Stillebenkonstnären Harriet Shorr har vältaligt skrivit och talat om sina målningar och behandlat de knutiga frågorna om form, innehåll och mening - frågor som ofta väcker lika många frågor som upplystes under sådana diskussioner. Sådana diskussioner sprider inte heller mysteriet med en konstnärs verk. Förmågan hos ett konstverk att studsa tillbaka efter sådan granskning och att ge oändlig glädje måste säkert vara en av dess betydelsefulla och värderade drag. Detsamma gäller för diskussioner om de mer praktiska frågorna om procedur och teknik. När allt är sagt och gjort, när en målning har analyserats och på ett sätt dekonstruerats, borde dess förmåga att glädja kvarstå. Så är fallet med Shorrs konst.
….
Stilleben-objekt utan mål
I min senaste konversation med Harriet Shorr höll vi fast vid de praktiska frågorna - hur hon faktiskt arbetar med att förbereda och göra sina stillebenmålningar. Vi gabbade om duk, borstar, bårar, färgmärken och gesso. Och naturligtvis pratade vi om de konstiga och olikartade föremål som bebor hennes målningar.
"De föremål jag ursprungligen väljer för en målning kanske inte nödvändigtvis sammanfaller med det jag tänker och känner då", säger Shorr. I själva verket försöker hon medvetet att inte leta efter föremål med en specifik agenda i åtanke. Hon ifrågasätter inte heller vad som får dem att "klicka" tillsammans. "Jag hittar många av föremålen på loppmarknader och medan jag vandrar längs gatorna i New York, " säger Shorr.
När hon känner att hon har samlat alla sina "grejer" ordnar hon (en term Shorr föredrar att "komponerar") föremålen på ett bord i sin studio (som ligger på hennes Manhattan SoHo loft under större delen av året och på Vermont-landsbygden under sommaren). Den här handlingen att ordna stillebensobjekt, även om det i princip är intuitivt, är något Shorr gör med en viss självmedvetenhet. Shorr förklarar att när hon ordnar föremål på bordet försöker hon vanligtvis variera mellanrummen mellan dem. "Men min idé har alltid varit att om färgen verkligen fungerar kan alla sammansättningsrelationer göras övertygande."
Fortsätter i detta avslappnade men ändå varningsläge, väljer Shorr en duk, storlek och orientering som styrs av hennes arrangemang av objekt. Hon använder sträckta dukar, vanligtvis täckt med ett enda skikt glansmedium följt av två lager gesso. Hon föredrar canvas framför linne eftersom "linne är dyrt och är svårare att sträcka perfekt."
Rakt mot färgen
Man kan tro att en viss mängd ritning eller skissering skulle vara nästa steg, men det är inte så. Shorr gör ingen preliminär ritning för sitt stilleben: "Många tror, " säger hon, "att det finns ett nödvändigt samband mellan ritning och målning, det vill säga att du måste förstå något genom att rita det innan du kan måla det. Jag tror inte det här.”
Naturligtvis är detta inte hela historien. Med hjälp av borstborstar för de större färgområdena och långhåriga sabelborstar för den mer exakta modelleringen skapar hon de olika formerna, deras skuggor och utrymmena mellan formerna när hon målar och bibehåller målningen flytande. Shorr utvecklade denna fluiditet och praxis att måla vått i vått efter att ha studerat med Alex Katz på Yale School of Art and Architecture på 1960-talet.
Praktisk extravagans
I fråga om färg, Harriet Shorr vaxar adamantin. "Du måste vara extravagant med dina material." Och det är hon. Med hjälp av gamla Holland-oljor blandar hon sina färger specifikt för en målning och håller inte någon färg från en bit för arbete på nästa.
"Jag får mina färger från mina uppfattningar, " säger Shorr. Hon tillägger,”Jag har inget riktigt intresse av färgbalans. Jag målar bara färgen jag ser. Om det förskjuts växlar jag med det.”Hon använder en annan pensel för varje färg och för varje gradering inom en viss färg.
Leds av Light and Sight
Shorr börjar vanligtvis arbeta vid 9 eller 10 på morgonen och slutar vanligtvis omkring 3 på eftermiddagen. Detta är säkert i hålla för en konstnär som håller så noggrant på effekterna av ljus. Hon är ju den person som, medan hon beskrev hur hon slutförde ett stilleben, en gång sa:”När jag arbetade med målningen, vände jag tills ljusets axel föll på samma plats för att måla de passager som påverkades av det ljuset. Varje dag målade jag samma delar av målningen samtidigt.”
Hon målar vad hon tittar på: föremål, tyg, berg sett genom fönstren i hennes Vermont-studio, byggnadsfasader sett genom fönstren på SoHo-loftet. Detta kan tyckas vara en konstig procedur för en konstnär som inkluderar Barnett Newman bland hennes stora påverkan. Det blir emellertid mindre bisarrt när du tänker på den strukturella frontaliteten och viskningarna av färgfältabstraktion i hennes målningar.
Det man märker när man tittar på en Shorr-stillebenmålning som Objekt av användning för mig (ovan) - de abstrakta egenskaperna som nämns åt sidan - är den omsorg och uppmärksamhet hon ger för att säkerställa att varje kvadratmeter på duken har lika stor vikt. Inget särskilt objekt eller sektion av tyg eller landskap drar ögat. Betraktaren tittar fast i sin helhet, som man kan göra när man stirrar in i ett soltäckt skogsområde eller över en ökensträcka. Eller ögat kan röra sig över ytan och glädja sig över sammansättningen av rika färger, den formgivande belysningen av ljus, de olika nyanser och de mörkare skuggorna från Shorrs världar. Det är en hög form av nöje som seglar betydelsen av målningens titel från det utilitaristiska mot det sublima.
FLERE KONSEKVENSER
- Gratis nedladdning !: Bästa stillebenmålningstekniker och berättelser som inspirerar
- Behärska det dramatiska stilleben med CW Mundy (nedladdning av video)