Porträtt av Ginevra di Benci av Leonardo da Vinci, 1474-1476, oljemålning på trä, 16, 5 x 14, 5. | ||
Jag har beskrivit de viktigaste tekniska delarna av min studie av Da Vinci: linje och anatomi. När jag började studera hur jag målade valde jag att inte följa hans metoder, så jag har inte någonting att dela med dig om den berömda sfumato, som är beundransvärd dock.
Låt mig förklara något om hur jag lär mig om konst; kanske en självklarhet av att vara självlärd. Jag läser vanligtvis inte böcker efter eller om mitt ämne. Jag har läst bitar av Da Vincis anteckningsböcker, men har inte gjort något som en fullständig studie av dem. Jag är bara skissartad medveten om hans biografi och hans roll i västerländsk konst. Jag gillar att lära mig genom att titta på saker, och jag tror att jag hittills har tjänat bra av denna praxis, även om jag har svaga luckor i min kunskap.
En av de viktigaste sakerna jag lärde mig från Da Vinci var i linje med denna praxis att titta på saker. Det var helt enkelt detta: hans figurer och porträtt har så mycket själ. Jag har tillbringat timmar i Nationalgalleriet i tyst samtal med hans förtrollande Ginevra di Benci.
Madonna of the Rocks (detalj) av Leonardo da Vinci, 1483-1486, oljemålning, 78, 3 x 48. |
|
Hur länge kan du prata med en målning? Det är en bra fråga. Jag tror att det har att göra med hur mycket personlighet som finns i själva målningen. Ginevra är mångsidig. Hon ser ut som om hon har en personlighet och humör och tankar. Hon verkar komplex och självbesatt. Hon tjänar en roll i ingen berättelse utom sin egen, och hon är inte helt intresserad av att berätta vad hennes historia är. Så min inställning till den här bilden är en pilgrimsfärd till henne; det är inte hennes för mig. Detta är en bild, men det är inte en show.
Da Vincis porträttmålningar är full av substans och närvaro. Tänk på ängeln Gabriel i Louvre-versionen av Madonna of the Rocks (ja, det är den som Dan Brown tycker är skrämmande). Den här Gabriel är en problemtillverkare. De nedre locken på hans ögon är knutna av kul, och hans mun bryter ut i ett leende. Ögonen tittar på något specifikt som inte finns i målningen. Du, iakttagande av målningen, har tagit del av en pågående historia, och deltagarnas karaktär är uppenbar, men berättelsen förblir mystisk. Det finns något hotande med det leendet, om den kunskap som ängeln har, som du inte har och inte kan få. Återigen ser vi en fullständig, självvillig karaktär som bjuder oss att sjunka ut i utökad utredning under vårt möte med målningen.
Vad jag lärde mig från dessa studier är att för bilder av människor som jag vill göra är det inte tillräckligt med linje, form, färg och ljus. De är tjänarna, inte mästaren. Det är det som skildrar, inte det som visas. Det som visas är den mänskliga närvaron. Ritningens eller målningens framgång ska mätas i förhållande till människans närvaro, inte elementen i den visuella designen.
Young Mother av Daniel Maidman, 2011, olja på duk, 30 x 24. | ||
Jag avslutade den här målningen nyligen. Modellen heter Piera. Mina målningar av Piera ser lite Da Vinci-ish från start, eftersom Piera själv ser lite Da Vinci-ish. I den här målningen ville jag så mycket som möjligt eliminera allt utom Piera, personen. Det finns inga smarta idéer, inga spännande designbitar. Bara Piera.
Jag har jobbat med Piera i nära tre år. Om du är intresserad av att jag är i din sitters mänsklighet, tror jag att det är viktigt att arbeta med modeller under lång tid för att utveckla en strukturerad känsla av vem de är. Piera fick sitt första barn för ett år sedan, och hon är väldigt glad och väldigt trött. Alla dessa saker gick in i den här målningen, men de kommer inte nödvändigtvis tillbaka ur den. Du kanske inte känner till hennes historia eller något om henne. Skulle hon fortfarande vara intressant? Skulle du fortfarande stå ett tag med målningen eftersom du vill lära känna henne bättre?